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사실은 저의 예상이 빗나가기를 은근히 기대했었지만요.. 예상대로(?) 그리 많지 않은(?) 답변을 올려주셨습니다. 아마도 많은 분들께서 머릿속으로 답변들을 올리셨을꺼라고 생각합니다. 그리고 '또자'님께서 올려주신 답변은 그 빈약한 양을 충분히 보상하고도 남음이 있는 훌륭한 답변이었음 또한 말씀드리지 않을 수 없습니다..

성의있는, 그리고 훌륭한 답변 올려주신 또자님께 감사의 말씀드리며, 저 지킴이가 나름대로 준비해 둔 답변을 올려볼까 합니다(아래에서 답변되어있지 않은 문항의 답변은 또자님의 답변을 보시기 바랍니다).

문 : '화면구성의 요소들(노트 3번 부터10번까지)'에서의 '프레임(frame)'의 의미와 '편집(노트 16번과 17번)'에서의 프레임의 의미는 약간 다른 의미로 사용되었습니다. 두 경우에서의 프레임이라는 용어의 의미는 각각 무엇이었습니까? (결국 두 용어는 같은 의미가 됩니다만..)

답 : '화면구성'에 있어서의 프레임(frame)이란 말의 의미를 생각하실때에는 화가가 그림을 그릴때의 캔버스(canvas)를 생각해 보시면 좋겠군요. 화가는 자신이 생각하는 구도대로 그림을 그리기 위해서 캔버스의 크기와 가로/세로 비율를 자유롭게 선택할 수 있습니다. 즉 화가는 자유롭게 '프레임(의 크기와 비율)'을 선택할 수 있는 것이죠.

영화의 경우에 있어서는 약간의 변형은 있으나 기본적으로는 프레임의 비율(=화면 비율, aspect ratio)은 거의 고정되어 있습니다. 이의 역사를 잠깐 살펴보면요...

영화가 처음 발명될 당시 에디슨이 1888년에 발명한 촬영/영사기 키네토그래프(Kinetograph)의 가로:세로 비율은 1.33:1(즉 4:3) 이었습니다. 1906년에는 이 비율이 화면구성과 감상에 안정감은 준다는 결론하에 국제적인 기준 규격으로 정착되었습니다. 그 이후 8mm, 16mm, 35mm 영화(이 숫자가 필름의 폭을 말한다는 것은 이전에 말씀드린 바 있죠?) 모두가 이 표준규격, 즉 4:3의 프레임 비율을 따르고 있습니다. 이를 표준구경, 또는 표준 프레임이라고 하지요.

좌우가 표준 프레임보다 넓게 잡히는 애너모픽 렌즈(anamophic lens=굴상렌즈)를 사용한 경우에는 프레임 비율이 4:3에서 7:3 정도로 넓어질 수 있는데요, 시네마스코프 등의 대형화면은 이렇게 해서 만들어진 것입니다. 오늘날의 대형화면은 유럽 1.65:1, 미국 1.85:1의 비율로 표준화 되었지만, 다양한 촬영과 영사방식에 의해 이 비율은 조금씩 차이가 납니다(예를 들면 입체음향용 시네마 스코프 Cinemascope는 2.55:1, 수퍼스코프 Superscope는 2.35:1, 울트라-파나비전 Ultra-Panavision은 2.7:1, 비스타 비전Vista Vision은 1.85:1 등).

아.. 얘기가 좀 전문적으로 흘렀네요.. 어쨌든 영화에 있어 '프레임(frame)'의 비율은 거의 고정되어 있습니다(4:3 아니면 7:3). 그리고 화면구성을 할 때 감독이나 촬영감독은 이러한 정해진 프레임의 비율 안에서 자신이 원하는 구도를 만들기 위해 화면을 다양하게 구성하는 것이죠.

편집에서(그리고 '움직임의 기계적 조작'에서) 말씀드린 '프레임'은 필름에 기록된 정(靜)사진(still picture) 한장 한장을 의미했었습니다. 즉 표준 영사의 경우 "1초에 24프레임씩 영사"되는데요, 여기에서의 프레임은 필름에 기록된 일련의 정사진 하나 하나를 말하는 것입니다. 이 프레임 들이 1초에 24장 휙! 지나가면 우리의 눈에는 그것이 움직임으로 보이는 것이죠.

즉, 화면 구성의 요소에서 프레임이라는 말은 '화면의 틀'이라는 의미로 사용 되었었구요, 편집과 움직임의 조작에서 프레임이라는 말은 '필름에 기록된 정사진 한장 한장'이라는 의미로 사용되었습니다.

문 : 회화에서의 구도와 영화에서의 구도의 차이점에는 어떤 것들이 있습니까?

답 : 노트의 내용에서 그대로 인용하자면 다음 두가지 입니다.
① 영화의 구도는 회화와 사진과는 달리 움직임이 있다는 전제하에서 결정된다.
② 영화의 구도에 있어서 결정적인 요소는 극적 맥락이다.

문 : '샷(shot)'이라는 용어의 의미는 무엇입니까? 그리고 샷을 분류하는 가장 대표적인 기준은 무엇입니까?

답 : 또자님의 답변에 약간만 보충해서 말씀드리면 결국 "샷의 종류는 일반적으로 피사체와 카메라 사이의 거리에 의해서 결정된다(4번 노트 '샷(shot)에서 인용)"는 것입니다.

문 : 여러분들이 보신 영화중 '버즈 아이 뷰(bird's-eye view)'가 사용된 장면을 말씀해 주십시오. 그 장면에서는 어떤 이유로 버즈 아이 뷰가 사용되었는지요

답 : 제가 선택해 본 '인상적인 버즈 아이 뷰'는 버나드 로즈Bernard Rose 감독의 <캔디맨Candyman>의 오프닝입니다.

<캔디맨>의 이야기를 끌어가는 힘인 다양한 갈등(남/여, 백인/흑인, 부유층/빈민층, 현실/환상, '정상인'/정신분열증 환자 등등) 중 가장 큰 축인 인종/계급(계층)간의 갈등은 버즈 아이 뷰로 촬영된 이 오프닝에서 함축적으로 제시됩니다. 차가운 안개처럼 스며드는 미니멀리즘의 선봉장 필립 글래스의 음산하고 장중한 음악과 함께.


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위 그림에서 화면의 가운데를 가로지르는 도로는 빈민가와 신흥 고급주택단지를 가르는 하나의 벽입니다. 그리고 그 빈민가에는 가난하고 마약과 살인에 찌들어있는 흑인들이, 고급주택단지는 위선과 탐욕에 찌들어있는 백인들이 살고 있습니다. 그리고 그 한쪽은 인종차별에 의해 억울하게 죽은 흑인 '캔디맨'이 지배하는 공간입니다.

이 모든 갈등은 오프닝에서 버즈 아이 뷰(+고속촬영)로 촬영된 이 도로을 중심으로 일어나고 있습니다. 그리고 그 갈등의 줄기는 마치 나뭇가지가 뻗어져 나가듯 여러갈래로 뻗어나가기 시작합니다(그림 5, 6).

문 : 화면의 '심도(depth, 또는 깊이감)'란 무엇입니까? 또, 심도가 깊은 화면을 만들기 위한 방법에는 어떤 것들이 있습니까?

답 : 또자님의 답변에 약간의 보충내용을 적어보도록 하겠습니다. 이전의 노트(7번 '렌즈와 화면의 깊이감')에서 말씀드리지 못한 내용인데요, 화면의 심도를 깊게 유지하는 방법은 ① 딥포커스 렌즈(장초점 렌즈)를 사용 ② 광각렌즈를 사용 ③ 카메라의 조리개를 조임 등의 방법이 있습니다. 이 중 화면의 심도를 깊게 하기 위해서 가장 자주 사용되는 방법은 ③번 방법입니다(주로 ①번 방법과 함께).

눈이 나쁘신 분들이 안경을 끼지 않고 멀리있는 물건을 볼 때면 눈을 가늘게 찡그리는 것을 보신적인 있으시죠? 카메라의 조리개를 조임으로써 초점 심도를 깊게 하는 것은 이와 같은 원리입니다.

문 : 핸드 헬드(hand-held) 촬영이란 무엇입니까? 그리고 핸드 헬드 촬영이 사용된 장면 하나를 예로 들어주십시오. 그 장면에서 핸드 헬드 촬영이 적용된 이유는 무엇입니까?

답 : 또자님께서 올리신 답변대로 핸드헬드 샷은 긴박한 느낌이나, 다큐멘터리적인 사실감을 표현하는데 주로 사용됩니다. 최근에 개봉했던 영화들에서 생각해본다면 또자님께서 말씀하신 <쉬리>의 총격장면 외에도, <라이언 일병 구하기>에서의 그 실감나는 전투장면 또한 '다큐멘터리적인 사실감'을 위해 거의 핸드헬드 카메라로 촬영되었습니다.

그런데 혹시 제가 노트에서 '가짜 다큐멘터리(fake documentary film)'에 대해 말씀드린 것 기억나세요? 이런 가짜 다큐멘터리들의 거의 모든 장면은 핸드헬드 샷으로 촬영된다고 말씀드린 것도요? 그 가짜 다큐멘터리 중 우리가 비디오샵에서 쉽게 구해 볼 수 있는 영화는 팀 로빈스 감독의 <밥 로버츠>와 패트릭 던컨 감독의 <찰리 모픽> 등이 있다고 말씀드린것도 기억나시겠죠?

아래는 모든 장면이 핸드헬드로 촬영된 <찰리 모픽(84 Charlie Mopic)>의 장면들입니다.

이 영화는 '월남전 종군기자가 촬영한 편집되지 않은 기록 필름'을 '만들어낸' 가짜 다큐멘터리 영화입니다. 이 종군기자 역의 모픽(MoPic, Motion Picture의 약어) 또한 동료 군인들이 카메라를 빼앗아 장난 삼아 찍어준 화면에 등장할 뿐입니다. 감독이 이 영화를 가짜 다큐멘터리로 만든 의도는? 당연히 관객들에게 직접 전쟁을 체험하는 듯한 경험을 주기 위해서이지요. 영화감독 김홍준씨는 그의 저서 <영화에 대하여 알고 싶은 두세가지 것들>에서 "이 영화에 비하면 <플래툰>은 관광여행이나 다름없다"고 말하기도 했습니다.


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이 영화에서 커팅(편집)은 시퀀스와 시퀀스를 연결하는 곳 외에는 거의 쓰이지 않으며, 모든 샷의 변화도 팬, 틸트, 줌인/아웃 등의 '최소한의 테크닉' 만으로 만들어져 있습니다. 관객은 이 영화의 기록자인 '모픽'이 들고 있는 카메라를 따라 베트남전의 한 가운데로 함께 들어가게 되는 것입니다. 그리고 그들의 소대원들이 경험하는 것들을 함께 경험하게 됩니다. 이 체험을 전달하는 것은? 물론 '모픽'이 들고 있는 핸드헬드 카메라죠.

마지막 장면. 기록자 '모픽'은 카메라를 맡기고 헬기에서 낙오된 동료를 구하러 돌아갑니다(그림 8). 하지만 동료들을 구하고 나서 맨 마지막에 헬기에 오르려던 모픽은 총에 맞고, 헬기는 그를 두고 그대로 전장을 떠납니다(그림 9). 모픽이 들고 있던 카메라는 냉정하게도 그런 그의 모습을 계속 묵묵하고 냉정하게 촬영할 뿐입니다.

여기에서 감독이 이 영화를 가짜 다큐로 만든 의도가 극명하게 드러납니다. 이 장면을 카메라의 냉정한 시선으로 바라봄으로써 오히려 전쟁의 참혹함과 비극성을 강조하려는 감독의 의도는 이 마지막 장면에서 가장 빛을 발합니다.

문 : 슬로우 모션(slow motion)과 패스트 모션(fast motion)을 만드는 방법은 무엇입니까? 그리고 한국 영화 중에서 패스트 모션이 사용된 장면 하나만 예를 들어 주십시오.

답 : 지킴이는 한국영화 중의 패스트 모션 장면을 김성수 감독의 <비트>에서 찾아냈습니다. 정우성과 고소영이 함께 살기로 한 아파트에 이사가서, 짐을 나르고, 가구를 배치하는 장면에서 바로 패스트 모션이 사용되었죠. 여기에서 패스트 모션은 아마도 이들의 행복한 시간을 코믹하게 보여주고, 그 행복한 시간이 그리 길지 않은, 그리고 깨어지기 쉬운 현실과는 거리가 먼 시간임을 암시하기 위해 사용되었다고 생각됩니다.




- <비트>의 저속 촬영(패스트모션) 장면

문 : 리들리 스캇 감독의 <블레이드 러너(Bladerunner)>의 극장 상영판과 감독판(디렉터스 컷director's cut)사이의 차이점을 아시는대로 설명해 주십시오. (참고로 말씀드리면 두 가지 버전 모두 비디오로 출시되어 있습니다)

답 : 제가 알고 있는 바로는 <블레이드러너(Bladerunner)> - 어떤 친구가 한국말로 번역하길 '날 뛰는 자'.. 썰렁했나요.. 하하 - 의 극장판과 감독판의 차이는 다음과 같습니다.

① 주인공 데커드(해리슨 포드)의 나레이션 삭제 : 리들리 스캇 감독은 이 영화를 만들 당시 데커드의 나레이션을 집어넣지 않았다고 합니다. 하지만 제작사 측에서 스니크 프리뷰(sneak preview, 개봉에 앞서 관객의 반응을 조사하기 위해 예고없이 갖는 시사회)시 내용이 관객들에게 잘 이해되지 않을 것이라고 해서 이 나레이션이 삽입되었습니다. 그 나레이션은 거의 모든 사람들에게 악평을 받았고(이 나레이션은 롤랜트 키비라는 사람이 썼는데, 서로 친구 사이인 <블레이드 러너>의 공동 시나리오 햄튼 핀쳐와 데이빗 피플즈는 서로 상대방이 이 나레이션을 쓴 줄 알고 몇달동안 이 나레이션에 대해서 부정적인 언급을 일부러 피했다고 합니다), 해리슨 포드는 이 나레이션이 사용되지 않기를 바라면서 일부러 성의없이 읽었다고 하니 결과가 좋았겠습니까? 감독판에서는 이 사족이 모두 삭제됨으로써, <블레이드러너> 특유의 모호한(그럼으로써 해석의 여지가 많은) 분위기가 살아나게 되었습니다.

아래 그림에서는 앞 부분의 몇 장면만을 뽑아 보았습니다. 이 촌스러운 나레이션은 극장판 전체에서 영화를 망치고 있었죠.

극

장

판

감

독

판

① 나레이션의 제거 (영화 앞 부분의 몇 장면만 발췌)

② '해피엔딩'의 수정 : 극장판은 레플리컨트인 레이첼이 데커드와 탈출에 성공해서 '대자연'의 품으로 탈출하는, 느닷없는 해피엔딩으로 끝맺습니다. 해피엔딩이 아닌 모호한 엔딩은 관객들이 싫어할 것이라는 제작사측의 염려와는 정 반대로 관객들은 이 난데없는 해피엔딩에 아연실색 할 수 밖에 없었습니다. 감독판에서는 데커드와 레이첼이 탈출을 위해 엘리베이터를 타고, 그 문이 닫힘과 동시에 반젤리스의 엔딩 테마가 연주되는 엔딩으로 교체되었습니다.



극장판 (난데없고 촌스러운 해피엔딩)



감독판(엘리베이터 문이 닫힘과 동시에 엔드 크레딧/엔딩테마)

이 밖에 사소한 것들로는...

③ 대사의 수정 : 데커드를 기용하는 형사반장 브라이언트가 데커드에게 "5명의 레플리컨트가 돌아다니고 있어"라고 함(극장판에서는 6명이 돌아다닌다고 함)

④ 장면의 삽입 : 피아노를 치다가 잠든 데커드의 꿈에 유니콘이 나오는 약 12초의 장면이 디졸브로 삽입됨. 또한 데커드가 처음 등장하는 장면에서 용 모양의 네온사인이 나오는 크레인 샷이 첨가됨.


극장판



감독판 (유니콘 장면의 첨가)

⑤ 음악의 재 녹음 : "그가 아니었다면 아무도 할 수 없었을 것"이라는 평가를 받은 반젤리스의 미래적이면서 암울한 음악은 부분적으로 새로 작곡되고(나레이션의 공백을 음악이 대신함), 전체적으로 디지털 방식으로 다시 녹음됨.

이러한 나레이션의 삭제와 암울하면서 모호한 엔딩 만으로도 <블레이드 러너> 감독판은 극장판과는 전혀 다른 영화가 되었으며, '인간의 정체성과 테크놀로지'에 대한 암울한 묵시록으로 다시 태어날 수 있었습니다. 그리고 <블레이드 러너>는 자본의 논리에 의한 자본검열이 영화를 어떻게 망치는가를 보여주는 가장 대표적인 예가 되었습니다.

그리고 이렇게 조금만 편집을 바꿔도 영화가 이 정도로 달라질 수 있다는 것을 보면서, 우리는 편집의 중요성을 새삼 깨닫게 됩니다.

문 : 가장 전형적인 연속편집(cutting to continuity) 장면의 컷 분할 순서를 영화 속의 한 장면을 예로 들어 설명해 주십시오.

답 : 또자님의 답변에 약간만 추가를 하면요.. 17번 '연속편집(cutting to continuity)'노트에서 "설정→분절→재설정의 공식은 고전적인 연속 편집의 가장 기본적인 편집 방식으로 정착되었다"는 인용문을 적어드린 적이 있었죠? 아마도 또자님께서 말씀하신 장면 또한 이 '설정 → 분절 → 재설정'의 공식을 따르고 있는 장면이라고 생각됩니다