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앞서의 노트에서 편집에 대한 기본적인 지식을 짚어보았으니, 이젠 영화의 다양한 편집 스타일들에 대해 알아볼 차례입니다.
그 스타일들은 크게 ① 연속 편집 cutting to continuity ② 고전적 편집 classical cutting ③ 주제적 편집 thematic cutting의 세 가지로 나누어 볼 수 있는데요, 이번 노트에서는 그 중 첫번째인 '연속 편집'에 대해 알아보도록 하겠습니다.

교재 : <영화의 이해-이론과 실제> p.135~ p.137 / <정재형 교수의 영화강의> : p.98~ p.100
세미나방 지킴이(seminar@cineseoul.com)

"영화의 아버지"라고 불리는 미국의 D. W. Griffith는 영화만의 고유한 언어를 확립한 사람중 하나인데, 그는 특히 편집 기법의 기초를 확립하는데 공헌했습니다. 그가 확립한 편집의 기본적인 방식은

① 연속 편집 cutting to continuity
② 고전적 커팅 classical cutting, decoupage classique
③ 주제적 커팅 thematic cutting(또는 유럽 지역의 용어로 몽타즈montage) (A p.135)

의 세 가지로 나눌 수 있는데요, 이러한 편집 방식은 거의 90년이 지난 오늘날의 영화들에도 유효하게 적용되고 있습니다. 오늘은 이 중 첫번째 편집 방식인 연속 편집에 대해 알아보도록 하겠습니다.

1. 연속 편집(cutting to continuity)

① 연속 편집이란?

연속 커팅은 대부분의 극영화에서 사용되는 기교이며, 설명적인 시퀀스에 주로 쓰인다. 전통적인 습관대로 이 편집 기법은 구성된 장면을 속기하듯 줄이는 방식이다. (A p.136, 강조는 지킴이)

"대부분의 극영화에서 사용되는 기교" : 우리가 보는 영화의 거의 대부분은 수많은 컷들로 이루어져 있습니다. 하지만 우리는 그 편집의 존재를 거의 느끼지 못하죠. 잘 된 연속편집이란 "관객들이 편집의 존재를 인식하지 못하는" 편집입니다.

"장면을 속기하듯 줄이는 방식" : 관객이 편집을 인식하지 못하게 할꺼면 편집은 왜 하냐? 라고 질문하실지 모르겠습니다. 연속편집의 가장 큰 목표는 '축약'과 동시에 '효과적인 내용전달'을 하는데 있습니다. 우리가 현실세계에서 겪는 일들을 모두 보여주지 않고, 필요한 부분만 '발췌해서' 보여주면서 동시에 관객들이 혼란없이 자연스럽게 내용을 이해할 수 있도록 하는 것이 연속 편집의 가장 큰 목표입니다. 즉

연속 커팅(편집-지킴이 주)은 사건의 모든 행위를 전부 그대로 묘사하지 않고도 행위의 연속성을 유지하려는 시도 (A p.136)

입니다. 그러니 당연히 연속 커팅은

"설명적인 시퀀스에 주로 쓰인다" : 라는 결론이 나오게 되죠. 편집을 통해서 특별한 감정이나 주제를 전달하는 것이 아니라, 이야기를 전달(또는 설명)하는 것이죠. ^예(17-1)

② 연속편집의 원칙들

연속편집은 화면의 자연스러운 흐름을 유지하기 위해서 다음과 같은 원칙들을 지킵니다.

동작, 행위의 일치	"앞 쇼트에서의 행위는 그 다음 쇼트에서도 반드시 연결되어야지, 행동이 생략되거나, 다른 장면으로 비약하면 연속성이 파괴된다" (B p.99) 앞 컷에서의 동작이나 행위는 그 뒤의 컷에서도 계속 연결되어야 한다는 원칙. 예를 들면 앞 컷에서 웃고 있던 사람이 컷이 바뀌면서 갑자기 무표정한 얼굴을 하고 있다거나, 앞 컷에서 걸어가던 사람이 다음 컷에서 우뚝 서 있다거나 하면 관객들은 실소를 금치 못하겠죠. "저거 완전히 아마추어 영화아냐"
조명, 색조의 일치	때로는 한 씬을 여러 날에 거쳐 촬영하는 경우가 있는데요, 이런 경우에 조명과 색조의 일치는 매우 중요한 요소가 됩니다. 특히 야외촬영의 경우 말이죠. 촬영 세트장이 아니라면 하루 중에도 광선은 계속 변하니까요.
시선, 방향의 일치	"극중 모든 움직임은 화면 위에서는 같은 방향으로 처리되어야 한다." (A p.136) "그 대상이 인물일 경우에는 서로의 시선이 마주보는 식으로 연결되어야만 이야기가 연속한다" (B p.99) 앞 컷과 다음 컷에서 인물의 시선은 마주보는 식으로 연결되어야 하고, 동작의 방향은 일정한 방향으로 유지되어야 합니다. 이것은 예전에'샷'에 대한 세미나 노트에서 잠깐 말씀드린 적이 있었던 '180도 가상선 법칙'에 의해서 유지되는데요, 그때는 두 사람의 대화장면에 대해서만 말씀드렸었는데요, 이 법칙은 일반적인 씬에서도 마찬가지로 적용됩니다.^예(17-2)
사운드의 일치	만약 길거리에서 두 사람이 대화를 나누는 장면이 있다고 하면, 두사람의 대화는 물론이고, 그 배경으로 들리는 거리의 소음도 연속적이어야 할 것입니다. 컷이 변할 때 사운드도 함께 툭툭 끊긴다면 아무리 시각적으로 자연스럽게 연결되어 있더라도 그 컷의 연속성은 깨지게 됩니다.
행동의 인과관계(action/reaction)	"인과관계는 명백하게 설정되어야만 한다. 예를 들어서 만일 이 여자가 차를 급정거시킬 경우, 감독은 관객들에게 그렇게 급작스럽게 차를 세우게 된 이유를 제공하는 쇼트를 제시해 주어야만 한다" (A p.137) 등장 인물이 어떤 행동(action)을 하는 경우, 그 행동을 한 이유(원인)이나 거기에 대한 상대방의 반응(reaction, 또는 결과)이 다음 컷에서 보여져야 합니다. 그렇지 않으면 관객은 혼란에 빠집니다. 즉 "쟤 왜 저래?" 또는 "그래서 어떻게 된건데?"같은 반응이 나오게 되죠.

아주 당연한 원칙들이죠? 하지만 이 당연한 원칙들을 어기게 되면 그 씬의 연속성은 깨지고, 관객들은 혼란스러워 하거나 코웃음을 치게 될 것입니다. 의도적으로 비연속 편집을 하지 않는 경우에는 말이죠.

영화를 만드는 사람은 그 연속성을 지키기 위해서 엄청난 시간, 노력, 돈을 들이게 될 수도 있지만, 영화를 보는 사람에게는 연속성이란 당연히 지켜져야 할, 아주 자연스러운 것입니다(이런 걸 "잘해야 본전"이라고 하는 건가요..?).

이런 원칙들을 지키면서 만들어진 연속편집 장면들은 구체적으로 어떻게 구성되어 있는지 알아봅시다.

③ 연속 편집된 장면의 구조

..장면의 시작은 항상 상황, 공간, 인물의 배치를 롱쇼트 사이즈로 설정해주는 상황 설정 쇼트(Establishing Shot)가 들어간다. 이 쇼트에 의해 공간이 분명하게 인지되고, 그 다음 세부적인 쇼트의 연결이 이어진다. (B p.99, 강조는 지킴이)

설정 샷(establishing shot). 기억나시죠? 5번 노트 "샷"에서 이미 말씀드린 바 있습니다. 그 때 설정 샷이 주로 익스트림 롱 샷으로 촬영된다고 말씀드렸었는데요, 이것은 한 시퀀스의 배경이나 상황을 설정하는 설정 샷의 경우로서, 이런 설정 샷의 개념은 연속 편집으로 만들어진 씬에서도 적용할 수 있습니다. 이런 경우의 설정 샷은 주로 그 씬에서 등장하는 인물들을 모두 잡을 수 있는 롱 샷으로 촬영되기 마련입니다.

예를 들면 한 가족이 식사를 하면서 대화하는 장면이라면 식탁주위에 앉은 가족들이 모두 보이도록 촬영한 롱 샷이 가장 먼저 나오고 ⇒ 대화 내용에 따라서 말하는 사람과 그 말에 반응하는 사람 등을 미디엄 샷, 클로우즈 업으로 잡은 화면들이 나오게 될 것입니다. 이런 장면 자주 보셨죠?

여기에

근접 쇼트의 공간적 맥락에 매인 관객들에게 주의를 환기시키기 위해, 이따금 최초의 롱 쇼트로 되돌아가는 재확인 쇼트(re-eatablishing shot, 또는 재설정 샷-지킴이 주)들이 삽입 (A p.137)

됩니다. 즉 가족 전체가 식사하는 장면이 다시 나오면서 관객들의 주의가 환기되는 것입니다.

이런 식의

설정→분절→재설정의 공식은 고전적인 연속 편집의 가장 기본적인 편집 방식으로 정착되었다. (B p.99)

그리고 지금도 수 많은 영화들에서 이런 편집 방식을 볼 수 있습니다.^예(17-3) 우리가 편집의 존재 자체를 무시하고 넘기던 장면들이 이런 역사와 전통이 살아 숨쉬는 법칙에 따라 구성되어 있었군요. 음.. 놀라워라.

④ 연속 편집과 촬영

..이야기가 하나의 일관된 선을 유지하기 위해서 촬영에 들어가기 이전부터 편집의 상태를 완벽하게 정해 놓고, 그 원칙에 맞게 이야기 쇼트들을 배열.. (B p.98)

이렇게 하면 편집은 촬영과 뗄래야 뗄 수 없는 상호보완적인 관계에 놓이게 되어, (촬영과 편집은-지킴이 주) 이야기의 연속성을 그 생명으로 하게 된다. (B p.98)

연속 편집은 장면들의 연속성을 생명으로 하기 때문에, 촬영 전부터 면밀하게 장면들을 계획해 두어야 합니다. 만일 이러한 계획을 치밀하게 짜 두지 않으면, 나중에 편집실에 앉아서 편집을 할 때 각 컷들이 자연스럽게 연결되지 않는다는걸 뒤늦게 깨닫게 되는 경우가 생기죠. 그런 경우에는 어쩌겠습니까? 시간과 비용을 들여가며 원하는 장면을 재촬영을 하는 수 밖에요.

이런 불상사를 막기 위해서라도, 촬영 전부터 장면 계획을 면밀히 짜는 것이 중요하게 되는 것입니다. 앞의 노트에서 말씀드린 콘티는 이러한 연속성을 유지하기 위해 작성되는 것이죠. 또 촬영장에서 스크립터(scripter, 또는 '기록')^사전가 스크립트(script)를 작성하는 가장 큰 이유도 연속성의 유지입니다. 영화 한 편 만드려면 골치깨나 아프겠어요. 그쵸?